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viernes, 17 de mayo de 2013

El cine experimental de Narcisa Hirsch


Narcia Hirsch. "Rumi", 1999. 27 min.


El sábado 18 de mayo a las 18 hs, Fundación Proa y mQ2 Sello Editorial presentarán el libro/DVD “El cine experimental de Narcisa Hirsch”.

La presentación incluirá la proyección bicanal, en video y 16 mm, de la película “Rumi” (1999, 28 min) y de una pequeña selección de sus trabajos. Habrá además una presentación a cargo del ensayista  y el filósofo Florencio Noceti y luego una ronda de preguntas y respuestas con la propia Narcisa Hirsch.

“El cine experimental de Narcisa Hirsch” cuenta con un libro bilingüe (español, inglés) que incluye un prólogo de la ensayista y docente Victoria Sayago, un texto crítico del también ensayista y docente Emilio Bernini y un texto escrito especialmente para la publicación porNarcisa Hirsch. El libro viene acompañado de dos DVDs: el primero con una selección de trabajos de Hirsch que van desde 1971 a 2005; el otro, una suerte de autobiografía hecha con retazos de sus más de treinta películas.

Narcisa Hirsch (Berlín, 1928) es una de las principales realizadoras de cine experimental en Argentina. En sus comienzos, como pintora y dibujante, sus obras se exponen en la Galería Lirolay, una de las galerías de vanguardia más importantes de Buenos Aires en los años 60. Realiza entonces happenings como “Manzanas”, “Bebés” y “La Marabunta”, entre otros. Como cineasta formará parte del grupo conformado por Marie Louise Alemann, Claudio Caldini, Horacio Vallereggio, Juan Villola y Juan José Mugni, quienes exhiben sus films fuera del circuito de cines e instituciones (con excepción del Instituto Goethe) entre los años 70 y 80. Además de sus films puramente experimentales, realiza en la actualidad videos e instalaciones. Tiene publicados tres libros.


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Manuel Espinosa - Geometría en Movimiento en el MACBA


MACBA - Museo de Arte Contemporáneo de Buenos Aires presenta la exposición temporaria Manuel Espinosa. Geometría en Movimiento. Con una selección que reúne cerca de 40 obras de la Colección Espinosa se presentan óleos sobre tela y cartón, tintas sobre papel y objetos realizados por el artista desde fines de la década del 50 hasta principios de los años 80.


La exposición es una nueva oportunidad para acercarse y pensar la obra de un referente emblemático de la escena artística de nuestro país. En esta ocasión se convocó como curadora a Ayelén Vázquez, conocedora del archivo y producción del artista, siguiendo el objetivo institucional de apoyar el desarrollo de jóvenes curadores locales.

Manuel Espinosa. Geometría en Movimiento propone revisar las reelaboraciones del lenguaje plástico desarrolladas por el artista luego de su distanciamiento de la abstracción geométrica de tendencia constructivista y acercar su producción al arte cinético óptico latinoamericano, que tuvo lugar en la década del 70.

Ayelén Vázquez ofrece una aproximación a los antecedentes de esta renovación y a las experimentaciones que resultaron de las indagaciones plásticas del artista. Las obras expuestas presentan formas y elementos que originan efectos visuales y provocan en el observador una ilusión óptica de movimiento.

En la superficie plana de las pinturas de Espinosa las variaciones de color, las transparencias y superposiciones generan avances y retrocesos. El artista juega con la percepción del espectador porque, aunque éste sabe que las obras no vibran ni se desplazan, la ilusión de movimiento es real.

La exposición incluye a Zebedea (1968), pieza adquirida en 2011 para la colección MACBA como reconocimiento a la importancia del trabajo de Manuel Espinosa. Además, el público podrá interactuar con una réplica de El Juego de la Matusa (1984), obra compuesta por piezas de acrílico de colores que propone un juego de encastre que consiste en articular piezas y combinar colores y formas.

La exhibición está acompañada por un catálogo español-inglés producido especialmente para la ocasión, que incluye una presentación de Elena Oliveras, un extenso ensayo de la curadora Ayelén Vázquez y reproducciones en color de las obras del artista.

Manuel Espinosa (Buenos Aires, 1912 - 2006), egresó de la Escuela Nacional de Bellas Artes y completó sus estudios en la Escuela Superior de Bellas Artes. Es uno de los precursores de la pintura geométrica en la Argentina. Fue miembro fundador de la Asociación Arte Concreto-Invención que apareció en Buenos Aires en 1945. El grupo sustentaba objetivos comunes: el arte debía ser no figurativo, la pintura plana y las ilusiones y apariencias desterradas, apartándose de la pintura tradicional, procurando que ésta valiese por sí misma.

En 1951 Espinosa viaja a Europa y conoce en Paris a Vantongerloo y en Ámsterdam a Vordemberge-Gildewart, quienes lo orientaron en sus búsquedas.

Al disolverse el grupo, Espinosa abandona los objetivos comunes pero sigue fiel al espíritu de la no figuración y elabora una pintura construida a partir de elementos geométricos, caracterizada por un riguroso sistema de ordenamiento y por la perfección de sus registros. Claridad y mesura, son atributos de su pintura, que con elementos mínimos dispuestos en serie, produce sutiles efectos de espacio y de color, y una tensión dinámica que crea la impresión de profundidad. Se vale en sus obras de transparencias, yuxtaposiciones y superposiciones que generan un efecto óptico de incuestionable interés.

Ayelén Vázquez (Buenos Aires, 1984), licenciada en Gestión e Historia de las Artes, USAL (2007). Cursó la Maestría en Historia del Arte Argentino y Latinoamericano, IDAES-UNSAM. Es responsable de la gestión y curaduría del Premio Itaú Cultural de Artes Visuales desde su creación. Realiza tareas de producción y archivo en la Colección Manuel Espinosa. Se desempeña como profesora en la cátedra de Crítica de Arte de la carrera Gestión e Historia de las Artes, USAL. Ha publicado artículos y críticas en medios especializados de Argentina y Perú.




Manuel Espinosa. Geometría en Movimiento
Curadora: Ayelén Vázquez

MACBA - Museo de Arte Contemporáneo de Buenos Aires.

Del 18 de mayo al 28 de julio 2013

Apertura al público con entrada gratuita: sábado 18 de mayo de 14:00 a 19.00 hs.
Av. San Juan 328, San Telmo - Ciudad autónoma de Buenos Aires.


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miércoles, 15 de mayo de 2013

"En Europa sólo voy a jugar en el Barcelona", dijo Messi


El astro argentino dijo que se quiere quedar en el Barcelona hasta el final de su carrera, aunque declaró también que le gustaría jugar en la Argentina.


En una entrevista con Televisión Azteca, que reprodujo la publicación catalana Sport, el jugador argentino que llegó al Barcelona con 13 años destacó el trabajo de las divisiones inferiores de la entidad `culé`.

"Muchas veces se dice que el Barcelona es más que un club y es por eso. Cuando llega un chico no sólo se le hace crecer futbolísticamente, sino en lo humano, en lo personal, que creo que es aún más importante. Mi vida ha transcurrido más acá que en Argentina. Crecí aprendiendo los valores que transmite este club".


"La mastectomía de Angelina fue una experiencia emocional"


"Ella podría haberlo mantenido en privado y no creo que nadie lo hubiera notado, con tan buenos resultados", dijo el actor Brad Pitt.

Angelina Jolie anunció ayer que se sometió a una cirugía para extirparse ambos senos, tras enterarse que tenía altas chances de padecer cáncer.

Salinas, “enchufado” en el ND Teatro


El guitarrista y compositor se presentará este sábado 18 de mayo en el ND Teatro con su espectáculo “Plugged”, un recorrido temático donde el genial músico aborda sus propias composiciones que tienen que ver con el jazz, el blues, rock y el funk.

La Orquesta Filarmónica de Buenos Aires rinde homenaje al compositor Richard Wagner

En el bicentenario de su nacimiento, el concierto será dirigido por Enrique Arturo Diemecke


El jueves 23 de mayo a las 20:30 horas la Orquesta Filarmónica de Buenos Aires realizará el séptimo concierto de su abono 2013 en el Teatro Colón. La dirección estará a cargo del maestro Enrique Arturo Diemecke y actuará el pianista brasileño Jean Louis Steuerman en el Concierto Nº 1 para piano en Fasostenido menor, Op. 1 de Sergei Rachmaninov (1873-1943). En conmemoración del bicentenario del nacimiento de Richard Wagner (1813-1883) se ejecutarán los siguientes fragmentos: Obertura de“Rienzi” (1840), Preludio al Acto III de “Lohengrin” (1848), Cabalgata de las valquirias de “Lavalquiria” (1856), Preludio y Muerte de amor de “Tristán e Isolda” (1859) y Obertura de“Tannhäuser” (1845).

La Orquesta Filarmónica de Buenos Aires obtuvo dos Premios Konex de Platino como la mejor orquesta argentina de las últimas dos décadas, en 1999 y en 2009. Recientemente ha sido distinguida con el Premio “Mejor Orquesta Sinfónica Argentina” de 2012 por la Asociación de Críticos Musicales de la Argentina.

Desde 2007, el maestro mexicano Enrique Arturo Diemecke es director musical de la Orquesta Filarmónica de Buenos Aires. Como director artístico este año realiza su segunda temporada al frente de la Filarmónica de Bogotá, la duodécima con la Sinfónica de Long Beach (California) y la vigesimocuarta con la Sinfónica de Flint (Michigan). Dirige con frecuencia orquestas de todo el mundo. La Sociedad Mahler le otorgó una medalla por sus versiones de las sinfonías completas y fue galardonado con el Grand Prix de l'Académie du Disque Lyrique en varias ocasiones.


Jean Louis Steuerman fue premiado en el Concurso J. S. Bach en Leipzig (1972) y rápidamente fue valorado en Europa como solista y concertista. Ha tocado con orquestas como la Sinfónica y Filarmónica de Londres, Filarmónica Real, Gewandhaus de Leipzig, Tonhalle de Zurich, y con los maestros Claudio Abbado, Vladimir Ashkenazy y Kurt Masur. Colabora en música de cámara con algunos de los mejores músicos del mundo y realiza extensas giras por Europa, América del Norte y Japón. Su amplia discografía incluye obras de Scriabin, Mendelssohn, Bach, Arrigo, Schoeck, Schönberg y Villa-Lobos.

Sergei Rachmaninov se graduó en piano a los 18 años como uno de los alumnos más brillantes del Conservatorio de Moscú, y al año siguiente con medalla de oro en composición. Para entonces había escrito varias obras, entre ellas el Concierto Nº 1 para piano cuyo primer movimiento tocó con la Orquesta del Conservatorio de Moscú en 1892, con una pálida acogida. Decidió revisarlo a fondo en 1917, cuando sus dos siguientes conciertos ya eran muy populares. Cambió la forma, orquestación y profundizó sus exigencias virtuosas, pero mantuvo el espíritu juvenil.

Richard Wagner llegó al concepto del drama musical como “obra de arte total”, concebida como una fusión de las distintas artes. Para su creación, el poeta-músico no se sirvió de la Historia sino del mito, ya que éste era, a su entender, una producción colectiva y genuina del pueblo, su poema primitivo y anónimo. Usó los motivos musicales como una fuerza organizadora: breves lemas descriptivos que podían metamorfosearse, desarrollarse y simbolizaban personajes o estados de ánimo. En este estilo de composición no hay interrupciones, su meta era el drama continuo expresado en la música continua. Con Tristán e Isolda llevó las relaciones armónicas a un punto de ruptura, que marcó los principios de la atonalidad. Wagner ejerció una influencia profunda sobre sus contemporáneos y sobre los compositores posteriores; sobre la literatura, la filosofía y las artes visuales. El mensaje de sus óperas, sus controvertidos escritos, creencias y contradicciones continúan siendo objeto de análisis en numerosos libros.


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Faena Arts Center presenta la imponente trilogía de AES + F


Con el título The Liminal Space Trilogy, AES+F presentará en Argentina la trilogía de videos realizados entre 2007 y 2011 que sólo fue exhibida de manera completa en Moscú y Berlín. Compuesta por Last Riot (19´25”), The Feast of Trimalchio (69´20”) y Allegoría Sacra (39´39”), la obra versiona el Infierno, el Paraíso y El Purgatorio reafirmando la intención programática de los artistas de iluminar las incongruencias de la modernidad y la paradojal convivencia entre la indiferencia y la devoción, lo real y lo virtual, la tradición y la ruptura.

El guión que estructura la obra no es literario sino gráfico, y ha sido improvisado a partir de la usina de imágenes conseguidas durante maratónicas sesiones de estudio en Moscú. La edición de más de 100.000 imágenes digitales, tomadas contra un telón de color gris, proporciona el material que organiza el relato. Cada una de las escenas grupales es el resultado de la minuciosa preparación de tableaux vivants contemporáneos. Gestos y posiciones, indumentaria y accesorios, colores y brillos, todo está sometido a un riguroso control. La verificación obsesiva no es arbitraria: cuando las imágenes se proyecten en las pantallas múltiples, de tres a cinco según el caso y de gran formato, cualquier detalle que haya pasado inadvertido alcanzará proporciones notables. 

“La Trilogía resulta perturbadora por el tratamiento que da a la creciente paranoia mediática, a la radicalización religiosa, al miedo a la muerte y a la amenaza de fin del mundo. Alineada con las preocupaciones políticas de la época, no deja de interrogarse por los alcances de la escalada vertiginosa de la comunicación virtual y sus efectos en la vida de las personas. Jóvenes de miradas perdidas y sonrisas que se alargan inexplicablemente una vez extinguida la acción son protagonistas de una realidad alternativa, mediatizada, en la que la experiencia real ha dejado de ser prioritaria”, señala Sonia Becce, curadora de la muestra.


Acerca de AES+F
AES+F alcanzó gran fama y reconocimiento internacional en el Pabellón Ruso de la Bienal de Venecia de 2007 con su provocativo y sobrenatural Last Riot (2007), el primero de un trío de videos multicanal a gran escala de sorprendente originalidad que define tanto la estética de AES+F como la vanguardia de las capacidades del medio. El segundo de la serie, The Feast of Trimalchio (2009), se mostró por primera vez en Venecia en el año 2009, y el tercero, Allegoria Sacra (2011), debutó en la cuarta Bienal de Moscú en 2011. Reunidos en The Trilogy, la serie - que es una gran proeza- fue presentada recientemente en el Martin-Gropius-Bau de Berlín, y en la Sala Central de Exposiciones del Manège de Moscú, ciudad natal de los artistas (ambas exhibiciones en septiembre de 2012). A partir del 24 de mayo de 2013, se exhibirá en Faena Arts Center, en Buenos Aires, Argentina. El grupo AES fue formado originalmente en 1987 por los arquitectos conceptuales Tatiana Arzamasova y Lev Evzovich, y por el diseñador multidisciplinario Evgeny Svyatsky. El grupo, que viene realizando exhibiciones en el extranjero desde 1989, amplió su composición y nombre cuando en 1995 se sumó el fotógrafo Vladimir Fridkes. La obra más reciente de AES+F se desarrolla entre la fotografía, el video y las tecnologías digitales, aunque también se alimenta de un interés permanente por los medios más tradicionales – la escultura en especial, pero también la pintura, el dibujo, y la arquitectura. Haciendo uso de un diálogo poético y sofisticado entre estos medios, y sumergiéndose en las profundidades de la historia del arte y otros cánones culturales, la majestuosa narrativa visual de AES+F explora los valores, vicios y conflictos de la cultura contemporánea mundial. Durante más de una década, las obras de AES+F se han presentado en festivales de diseño y en exposiciones de bienales de arte contemporáneo de todo el mundo, incluyendo – además de Moscú y Venecia – las de Adelaida, Gwangju, La Habana, Estambul, Kiev, Lille, Lyon, Melbourne, Sídney, Taipéi, Tirana, y Toronto. Su obra se ha destacado en eventos de influencia dedicados a los nuevos medios – tales como el Festival ARS Electronica de Linz, el Mediacity de Seúl, y Video Zone de Tel Aviv – y la fotografía – como el FotoFest de Houston, los Encuentros de Arlés, y la Bienal de Fotografía de Moscú. Objeto hasta la fecha de casi 100 exposiciones individuales en museos, espacios para exposiciones y galerías comerciales de todo el mundo, las obras de AES+F han sido exhibidas en prestigiosos lugares como el Neuer Berliner Kunstverein, el ZKM (Karlsruhe), el Casino Luxembourg, el Kiasma (Helsinki), el Moderna Museet (Estocolmo), la Tate Britain (Londres), el Instituto Internacional de Artes Visuales (Iniva, en distintos lugares del Reino Unido), la Passage De Retz (Paris), la Vanhaerents Art Collection (Bruselas), el MACRO Future (Roma), el Museo Thyssen-Bornemisza (Madrid), entre muchos otros. Entre las instituciones europeas más importantes que coleccionan sus obras se encuentra el Moderna Museet, la colección Sammlung Goetz (Múnich), el Neue Galerie Graz, la Casa Europea de la Fotografía (Paris), y el Centro Georges Pompidou (Paris). Sus obras también se encuentran entre las principales colecciones de Rusia, incluyendo la Casa de la Fotografía de Moscú, el Museo de Arte Moderno de Moscú, la Galería Estatal Tretyakov Gallery también en Moscú, y el Museo Estatal Ruso en San Petersburgo. AES+F obtuvo el galardón principal del Premio Kandinsky 2012 por su proyecto Allegoria Sacra.


Faena Arts Center - Aimé Paine 1169, Puerto Madero. Buenos Aires, Argentina

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Montevideo + Museos


El pasado 10 de mayo se llevó a cabo en el Ministerio de Turismo y Deporte el lanzamiento oficial de lo que será la primera edición del evento “Montevideo + Museos”, el cual se celebrará del 16 al 27 de mayo en museos y salas de exposiciones de diferentes barrios de Montevideo, Uruguay. La mesa de presentación estuvo integrada por el Subsecretario del Ministerio de  Turismo y Deporte, Dr. Antonio Carámbula; la Intendenta de Montevideo, Prof. Ana Olivera y el Sr. Joaquín Ragni, integrante de la Mesa de Museos y Salas de Exposiciones del Conglomerado de Turismo de Montevideo.


Montevideo + Museos, realizada en el marco de Montevideo Capital Iberoamericana de la Cultura 2013, consistirá en doce días de actividad donde además de las exposiciones permanentes, 28 museos de Montevideo ofrecerán la posibilidad asistir a propuestas de espectáculos musicales, muestras de arte callejero, obras de teatro, presentación de libros, taller de escritura, exhibición de audiovisuales, entre otros. Asimismo, se realizarán visitas a museos y salas de exposiciones del centro de la ciudad a través de circuitos guiados en bicicleta.

El proyecto fue ideado en el marco de la Mesa de Museos del Conglomerado de Turismo de Montevideo, para conmemorar el “Día Internacional de los Museos” a celebrarse el próximo 18 de mayo. 

Museos Participantes: Museo de Artes Decorativas – Palacio Taranco; Museo del Carnaval; Museo de Arte Precolombino e Indígena – MAPI; Museo Torres García; Museo de las Migraciones – MUMI; Espacio Cultural Al Pie de la Muralla; Museo Figari; Museo Gurvich; Museo y Archivo Histórico – Cabildo de Montevideo; Centro de Investigación, Documentación y Difusión de las Artes Escénicas (CIDDAE) – Teatro Solís; Museo del Club Atlético Peñarol; Museo de Historia del Arte (MUHAR); Galería Diana Saravia; Centro de Exposiciones SUBTE; Museo y Centro de Documentación AGADU; Museo de Historia Natural Dr. Carlos Torres de la Llosa; Museo del Azulejo; Museo Pedagógico José Pedro Varela; Museo Militar 18 de Mayo de 1811; Espacio de Arte Contemporáneo (EAC); Complejo de Museo del Colegio Pío; Museo Nacional de Artes Visuales; Museo del Fútbol; CEHIS – Museo Naval; Museo Blanes; Museo de la Memoria; Espacio Ciencia – LATU; Museo Militar Fortaleza Gral Artigas del Cerro de Montevideo.

Del 16 al 27 de mayo de 2013, Montevideo, Uruguay.


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