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domingo, 18 de agosto de 2013

La Orquesta Filarmónica de Buenos Aires celebra el bicentenario de Giuseppe Verdi

Dirigida por el maestro Mario Perusso y con un programa dedicado al compositor italiano.

El jueves 22 de agosto a las 20:30 horas, la Orquesta Filarmónica de Buenos Aires ofrecerá en el Teatro Colón el duodécimo concierto de su abono 2013, conducida por el maestro Mario Perusso. En celebración del bicentenario del nacimiento de Giuseppe Verdi (1813-1901) se interpretarán la Obertura de “Nabucco”, el Acto III de “Rigoletto”, la Obertura de “I vespri siciliani” y la Segunda escena del Acto II de “Falstaff”. Participarán el barítono Fabián Veloz y los alumnos del Instituto Superior de Arte del Teatro Colón, seleccionados en una audición, Verónica Cano, Darío Leoncini, María Coronel Bugnon, Walter Bartaburu, Mariano Crosio, Melina Biagetti, Lídice Robinson, Vanesa Aguado Benítez, Horacio Badano, Reinaldo Samaniego, Emmanuel Faraldo y Juan Pablo Labourdette.

La Orquesta Filarmónica de Buenos Aires obtuvo dos Premios Konex de Platino como la mejor orquesta argentina de las últimas dos décadas, en 1999 y en 2009. En abril de este año recibió la distinción “Mejor Orquesta Sinfónica Argentina” de 2012, otorgada por la Asociación de Críticos Musicales de la Argentina.

Mario Perusso (1936) debutó en 1968 como director de orquesta en el Teatro Argentino de La Plata y en 1973 en el Teatro Colón. Allí asumió la dirección de casi todas las óperas de Puccini y varios títulos verdianos, entre otros numerosos espectáculos líricos, coreográficos y conciertos. Dirigió todos los organismos sinfónicos más importantes del país; en teatros y orquestas sinfónicas de Sudamérica; y en ciudades italianas, en la Ópera de Praga y de Atenas. Fue director artístico del Teatro Argentino de La Plata (1989-1998) y del Teatro Colón (1998-2000). Como compositor se destacan sus óperas Guayaquil, Escorial, La voz del silencio y Fedra, estrenadas en el Teatro Colón, que lo nombró en 2010 compositor residente.

El gran mérito de Giuseppe Verdi fue la inagotable capacidad para superarse en el transcurso de las veintiséis óperas que compuso, dando una forma cada vez más precisa a sus ideales estéticos. Con su tercera ópera, Nabucco (1842), los italianos se reconocieron en el patriotismo de los esclavos hebreos y la obra se convirtió en un emblema de la resistencia al dominio austríaco que sojuzgaba a Italia. En su período intermedio, asumió el liderazgo de la ópera abordando temas audaces; es la etapa de la trilogía que le otorgó fama mundial: Rigoletto (1851), Il trovatore (1853) y La traviata (1853). Aún en 1851, la base de una ópera seria era el aria, pero en Rigoletto la unidad la otorga la escena, este fue su aspecto revolucionario. En 1855, la Ópera de París le encargó para la Gran Exposición una ópera con libreto de Eugène Scribe, Les véspres siciliennes, cuyo enfoque sólo pretendía el entretenimiento del público; Verdi llegó a la conclusión de que era la caricatura de un hecho histórico real. La obra pronto fue traducida al italiano como I vespri siciliani, cuya excelente obertura es una pieza habitual en las salas de conciertos. Verdi sorprendió en su última ópera, Falstaff (1893), con una comedia. Ante el libreto de Arrigo Boito, en que el ingenio y las palabras debían ocupar un lugar relevante, logró una combinación diferente de música y texto. Todo es sutil, dinámico, conciso. El resultado musical fue una línea melódica casi permanente donde abundan las conexiones temáticas que confieren a la obra su extraordinaria unidad.


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Recital acústico de Santiago Tavella

Santiago Tavella es un ser multifacético, un artista que sabe combinar y entreverar sin contradicciones y con humor sus diferentes facetas: La de arquitecto, la de artista visual y la de músico. Cuenta con una extensa trayectoria musical en Uruguay, su país natal. Allí fue miembro fundador del reconocido grupo El Cuarteto de Nos, una de las bandas fundamentales de la música popular oriental donde actualmente toca el bajo. Tavella, luego de una gira que lo ha llevado por los escenarios de esta orilla del Río de La Plata, realizará un recital acústico donde interpretará, guitarra en mano, temas de su autoría. Este martes 20, a las 19hs y con entrada gratuita brindará un recital en el marco de su muestra de artes visuales Vivir el plano, en el Centro Cultural Recoleta.




Muestra Vivir el plano

La muestra Vivir el plano vuelca una mirada lúdica y colorida hacia algunos elementos fundamentales del lenguaje técnico utilizado en el diseño arquitectónico: el plano, el corte y los alzados producidos por los arquitectos en la proyección de una edificación. Tavella aborda la temática arquitectónica desde el plano; construye una investigación estética que dialoga con la línea, la forma, el color, el documento histórico y viajes en el tiempo: entre su propia historia y subjetividad y la historia oficial de la arquitectura moderna canonizada por escritores como William J. R. Curtis en La arquitectura moderna desde 1900 —guía clásica de la arquitecturadel siglo XX en todas las facultades, incluida la Facultad de Arquitectura de la Universidad de la República del Uruguay, donde el artista realiza toda su formación, quedando en deuda apenas con el proyecto final. Con curadoría de Verónica Cordeiro, esta muestra se puede visitar hasta el domingo 25 de agosto en la sala 12.  ENTRADA LIBRE Y GRATUITA


Biografía

Santiago Tavella nace en Montevideo en 1961. Es músico, artista visual, escritor y curador. Estudia pintura con Miguel A. Pareja (1974-1982) Arquitectura en la Universidad de la República (UDELAR) en 1980, Composición Musical con Luis Trochón (1980) y Coriún Aharonian (1982-1986), canto con Nelly Pacheco (en 1988 y 2012) y Técnicas Digitales con Daniel Argente (2000) y Brian Mackern (2002-2004). Es miembro fundador del grupo El Cuarteto de Nos en el año 1980 con 13 fonogramas editados, y actuaciones en Uruguay, Argentina, España, México, Colombia, Ecuador y EEUU.Como solista se ha presentado en Buenos Aires y Montevideo desde 2009. Como artista visual expone desde 1990 (Montevideo, Buenos Aires, Mar del Plata, La Habana, New York, Santiago de Chile, Zaragoza y Sao Paulo). Sus muestras individuales más destacadas son: Planos plegables de la ciudad de Tajo (1990), Galería del Notariado, Montevideo, Uruguay; Helarte de Santiago Tavella (2000), colección Engelman Ost, Montevideo, con curaduría de Clío Bugel y Fernando López Lage y Vivir el plano, que con curaduría de Verónica Cordeiro se ha presentado en 2012 en el Museo Nacional de Artes Visuales, Montevideo y hoy en el Centro Cultural Recoleta, Buenos Aires, Argentina.

Sus participaciones más destacadas en muestras colectivas son: File-symposium, agosto 2002, Paço das Artes & SESC, Sao Paulo, Brasil, This is not an archive, febrero de 2005, Center for Curatorial Studies, Bard College, Annandale on Hudson, New York, USA, curado por Anna Gray, Mariangela Mendez y Montserrat Albores, 3 curadores, 3 orillas, 2006, Mar del Plata, Argentina, Curadores: Pilar Altilio (arg), Marc Mercier (fr) y Rulfo (uy), VIII Bienal de video y nuevos medios de Santiago de Chile, octubre del 2007, como parte del envío uruguayo Ósmosis (imagenes permeables) curado por Alejandro Cruz, ¿Es posible no amar a espinosa? 2009, Museo MACRO Rosario, curada por Jacqueline Lacasa y Grata con otros, 2011, muestra antológica de Graciela Taquini, con participación de varios artistas, curada por Rodrigo Alonso.

Sus obras figuran en el Museo Nacional de Artes Visuales del Uruguay, la Colección Engelman Ost y la Colección de La compañía del Oriente en Montevideo. Dirigió el Centro Municipal de Exposiciones Subte entre 2007 y 2011 donde ha trabajado en el equipo curatorial desde 1998. Ha realizado curadurías independientes en Montevideo, Buenos Aires, Zaragoza y New York desde 1998.En 2004 edita su libro Yo a este lo ablando hablando, reeditado y ampliado en 2009.


Martes 20 de agosto, 19 hs. Sala 12 
ENTRADA LIBRE Y GRATUITA


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jueves, 15 de agosto de 2013

Alta gastronomía en Montevideo

Miguel D`elia, Jorge Rama, José D`elia, Alfredo Etchegaray y Freddy Caruso conversaron tras la gran presentación de la nueva carta del restaurante uruguayo Pocitos Diez. La cita, que contó con famosos, artistas, empresarios y los mas importantes críticos gastronómicos, colmó las expectativas y afianzó aun mas la fama culinaria de esta casa montevideana.

miércoles, 14 de agosto de 2013

Gloria y Emilio Estefan disfrutaron la noche de Señor Tango



Revivieron su boda escuchando “El dia que me quieras” por Fernando Soler

Gloria y Emilio Estefan están viviendo en Buenos Aires su segunda luna de miel a 34 años de su casamiento. Para ellos son días de reencuentro y de volver a disfrutar el tango que está tan asociado a su historia ya que el tema musical de su boda había sido “El dia que me quieras” y por eso eligieron, para rememorar su unión, un viaje a Buenos Aires y una noche exclusiva y romántica en Señor Tango, el espacio porteño de tango por excelencia.
Agasajados por su amigo, el cantante de tango Fernando Soler, fueron recibidos en Señor Tango y disfrutaron una cena super romántica terminada la cual los sorprendió gratamente escuchar a su gran amigo cantarles una especial de “El dia que me quieras” rememorando asi el tema de Carlos Gardel que los unió con su música en matrimonio.
Gloria y Emilio Estefan conocieron a la pareja de Soledad y Fernando Soler durante una gira que el cantante argentino había realizado por EEUU y durante la que a su paso por Miami surgió una importante y larga amistad de admiración y cariño mutuo.
Lucia y Joaquín Galán, amigos personales de los Soler, disfrutaron también la compañía y el cariño de los Estefan y el estupendo show de "Señor Tango"
Rato antes de asistir al Señor Tango, la pareja cubana publicaba via Twitter: "Nos vamos a ver un espectáculo de tango ahora mismo. ¡Es hora de dejarse llevar por el ritmo del tango se ha dicho! Los quiero mucho, mi gente. Muchos besos".
Gloria al ser consultada al respecto luego comentaba: "Estoy preparando un disco con mis versiones de las canciones que han marcado mi vida...estoy especialmente emocionada por el tema de Carlos Gardel “El dia que me quieras”, ese tango precioso de los años 20 que fue mi canción de boda. Ahora lo he reescrito en inglés para que todos lo disfruten y admiren su belleza".

                   

martes, 13 de agosto de 2013

Cumbre de la medicina estética en Uruguay

El Dr Ramón Tambucho, Mercedes Menafra -esposa del ex presidente uruguayo Batlle- y Alejandro Gammela en la presentación de las novedades médico estéticas de Clínica Avril de Montevideo. La noche de gala fue un importante encuentro no solo de las autoridades médicas en la materia sino también de las mas diversas personalidades que se mostraron interesadas en los últimos avances en técnicas y tecnologías de la estética.

viernes, 2 de agosto de 2013

El CHIMENTERO 3.0 festejo sus primeros 100 programas

Este Jueves artistas, amigos periodistas y seguidores se reunieron para celebrar sus primeros 100 programas en Goa La France.
Con la presencia de Teto Medina, Daniel Gomez Rinaldi, Lola Cordero y Adabel Guerrero en la pantalla de la señal Magazine, de Lunes a Viernes desde las 14.30 toda la información del espectáculo, famosos y mediáticos pasan por el living de este programa y por las cámaras de sus divertidos móviles.


Con Las Bodas de Fígaro, de Wolfgang Amadeus Mozart, continúa la temporada lírica del Teatro Colón

El próximo martes 13 de agosto a las 20:00 horas, subirá al escenario de nuestro primer coliseo uno de los grandes acontecimientos que el Teatro Colón ofrecerá a lo largo del año: Las Bodas de Fígaro. Esta nueva producción contará con  la dirección musical de Roberto Paternostro y  la dirección escénica de Davide Livermore y Alfonso Antoniozzi.

Las seis funciones programadas se llevarán a cabo los días martes 13, viernes 16, sábado 17, martes 20 y miércoles 21 de agosto a las 20:00 horas y domingo 18 de agosto a las 17:00 horas. La modificación del tradicional horario de las 20:30 horas obedece a la duración de la obra.

Las Bodas de Fígaro fue compuesta entre 1785 y 1786 y tuvo su estreno el 1 de mayo de ese año en la ciudad de Viena. La obra, que cuenta con el libreto de Lorenzo da Ponte y está basada en Le mariage de Fígaro de Pierre Beaumarchais, es considerada como una de las creaciones más completas y acabadas de Wolfgang Amadeus Mozart y como una de las óperas más destacadas del género lírico.

Todo el encanto de la historia de Susanna y Fígaro, el Conde y la Condesa y las locuras de Cherubino, divertirán y conmoverán al espectador como solo sabe hacerlo el genio de Salzburgo.


Programa

Opera en cuatro actos (1786)
Música de Wolfgang Amadeus Mozart
Libreto de Lorenzo da Ponte, basado en Le Mariage de Fígaro, de Pierre Beaumarchais
Nueva Producción del Teatro Colón
Dirección Musical: Roberto Paternostro
Dirección de Escena: Davide Livermore & Alfonso Antoniozzi
Diseño de Escenografía: Davide Livermore
Diseño de Vestuario: Mariana Fracasso
Diseño de Video: D-Wok
Orquesta Estable del Teatro Colón
Coro Estable del Teatro Colón
Director: Miguel Martínez



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Kazuya Sakai. La Pintura desde el Espíritu de la Música en MACBA

MACBA - Museo de Arte Contemporáneo de Buenos Aires inaugura el 10 de agosto la exposición Kazuya Sakai: La Pintura desde el Espíritu de la Música, integrada por una selección de pinturas provenientes de diez colecciones distintas, incluyendo la obra Homenaje a Kōrin Serie II. N° 11 (Olas rojas en Matsushima) que pertenece a la colección permanente del museo. 

Kazuya Sakai nace en Buenos Aires en el seno de una familia japonesa. A comienzos de los años cincuenta comienza a pintar como autodidacta, mientras trabaja en la difusión de la cultura japonesa dictando conferencias, ejerciendo la docencia y haciendo traducciones. Las primeras obras de Sakai se inscriben dentro de la corriente de la abstracción geométrica, y se vincula con el grupo de artistas concretos locales. Lentamente comienza a incorporar signos caligráficos en sus obras, relacionados con la formación que recibiera en Japón y que lo adscriben al movimiento informalista. 

Su estadía en Nueva York a comienzos de los años sesenta, marca un cambio en su producción. Toma contacto con el pop art, la abstracción postpictórica y las filosofías y culturas orientales. Pero la influencia principal, que lo acompañaría toda la vida, surge del contacto con la música contemporánea. A principios de la década de los setenta se establece en la ciudad de México, donde empieza a desarrollar una rigurosa estética geométrica. Hacia 1973, Sakai toma la obra del maestro japonés Ogata Kōrin (1658-1716), y a partir de su estudio e interpretación comienzan a aparecer en su pintura las características bandas paralelas y ondulantes que transitan sobre grandes planos de color, saturados y brillantes. 

Curada por Rodrigo Alonso, la exposición se centra en un período singular del artista argentino-japonés caracterizado por homenajes a músicos contemporáneos y de vanguardia. Las obras realizadas durante este período de los años setenta están basadas en temas y procedimientos cercanos a la música experimental, y especialmente al jazz.Según Alonso, “Una parte importante de estas pinturas se caracteriza por la utilización de colores planos y vibrantes, combinados con una precisión notable, y encauzados en líneas paralelas que atraviesan las telas en direcciones estrictamente ortogonales, aunque interrumpidas con frecuencia por giros circulares que modifican su trayectoria. En ellas desaparecen por completo las marcas de su pasado informalista; ya no hay manchas, texturas ni pinceladas, sino superficies lisas, rígidamente estructuradas, vaciadas de todo rastro de subjetividad”. El curador abre el diálogo y se pregunta por el tipo de representación tan ordenada que elige Sakai para abordar corrientes musicales caracterizadas por la indeterminación y la espontaneidad. “Como en el jazz, donde el ejecutante improvisa sobre la base de una estructura rítmica (por mínima que sea), la asimetría de los círculos sobre el plano sólido y constante del fondo pareciera mentar la espontaneidad controlada, libre y al mismo tiempo contenida, de este género musical”. En su ensayo curatorial, Alonso elabora estas ideas, estableciendo vínculos con los universos sonoros, filosóficos y artísticos que nutrieron al artista. El texto en versión bilingüe se incluye en el catálogo que acompaña las reproducciones de las obras exhibidas. 

Kazuya Sakai. La Pintura desde el Espíritu de la Música es la exposición que acompañará los festejos por el primer aniversario de la existencia de MACBA, el 1° de septiembre de 2013. 

Kazuya Sakai. Nació en Buenos Aires en el año 1927. A los siete años fue enviado a Japón para educarse en la cultura de su familia. Estudió literatura y filosofía en la Waseda University de Tokio. En 1951 retornó a Buenos Aires, donde comenzó a trabajar con la comunidad argentino-japonesa. Tradujo obras de Roberto Arlt, Ernesto Sábato y Manuel Mujica Láinez, que fueron publicadas en el periódico en lengua japonesa Akoku Nippo. En 1956 fundó el Instituto Argentino-Japonés de Cultura y dirigió Bunka, la revista de la institución, de 1957 a 1963. Sakai también presentó un programa de radio sobre cultura asiática en Radio Municipal de Buenos Aires. En 1954 fue curador de una muestra de estampas japonesas de los siglos XVII y XIX realizada en la galería Bonino. En la década de 1950 participó en el movimiento informalista. En 1952 presentó su primera muestra individual en la galería La Cueva (Buenos Aires) y en 1957 participó de las exposiciones Primer Salón de Arte No Figurativo en la Galería Peuser, y Siete pintores abstractos en la Galería Pizarro, junto con Osvaldo Borda, Víctor Chab, Josefina Robirosa, Martha Peluffo, Rómulo Macció y Clorindo Testa. En 1958 obtuvo una de las Medallas de Oro en la Exposition Universelle et Internationale de Bruselas. Intervino en las exhibiciones Fernández Muro, Grillo, Ocampo, Sakai, Testa (1960) y Pintura argentina. 1923-1969 (1969), ambas en el Museo Nacional de Bellas Artes de Buenos Aires. Entre 1962 y 1965 vivió en Nueva York. Luego se instaló en México, donde creó el Salón Independiente y, de 1972 a 1976, fue director artístico de la revista Plural, fundada por el poeta Octavio Paz. Durante este período en el exterior, Sakai abandonó gradualmente la pintura gestual a favor de la abstracción geométrica, centrándose en los colores saturados, con fuertes contrastes y ritmos. A principios de los años 80 comenzó a pintar su serie Genroku, que se expuso en 1989 en la galería Juan Martín, de México D.F., junto con su investigación sobre arte digital diseñado por computadora. Su obra figura en la colección del MACBA y de otros museos como el Museum of Modern Art de Tokio, el Museu de Arte Moderna do Rio de Janeiro, y los museos Nacional de Bellas Artes y de Arte Moderno de Buenos Aires. Falleció en 2001 en Dallas, Texas. 


Kasuya Sakai. La Pintura desde el Espíritu de la Música 
Del 10 de agosto al 29 de septiembre 2013.

Inauguración: sábado 10 de agosto a las 12:00.


MACBA - Museo de Arte Contemporáneo de Buenos Aires 
Av. San Juan 328, Ciudad Autónoma de Buenos Aires, Argentina 
Tel. +54 11 5299 2010 | www.macba.com.ar 


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